Nikolaus Pevsner Bücher

Der Bildband stellt Leben und Gesamtwerk des österreichischen Künstlers anschaulich auch anhand authentischer Materialien (Briefe, Interviews und Dokumente) vor

Seit vielen Jahren wächst der internationale Ruhm des Malers Caspar David Friedrich stetig. Heute fasziniert sein Werk wie selten zuvor, wird aber kontrovers gedeutet. Werner Hofmann, der mit seiner wegweisenden Hamburger Friedrich-Ausstellung entscheidend zur Wiederentdeckung des Malers beitrug, bündelt in diesem Buch die verschiedenen Deutungsansätze zu einer neuen Interpretation. Rund 200 Abbildungen illustrieren den Band.

Francisco Goya (1746 - 1828) hat mit seinem bahnbrechenden Werk Chiffren für die „Welt als Tollhaus“ geschaffen, die bis heute nichts von ihrer Geltung verloren haben. In seinem prächtig ausgestatten Buch zeichnet Werner Hofmann Leben und Werk des spanischen Malers in einem grandiosen Bogen nach. Folgt man den hellsichtigen Visionen des Malers, so erfüllen Absurdes und Irrationales die Welt. Goya benennt diese Abgründe in ihrer teuflischen Schönheit. Dabei bannt er die barbarischen Schrecknisse und steigert sie formal. In diesem rationalen Gestaltungsakt einer absurden Welt liegt die unerhörte und verstörende Modernität seiner Schöpfungen. Werner Hofmanns Band, der sich als Klassiker etabliert hat, bringt Goyas malerisches und graphisches Werk in brillanten Abbildungen zur Geltung und erklärt, wie Goya zum großem Erneuerer der Kunst um 1800 wurde.

Das Schlüsselbild des 19. Jahrhunderts Gustave Courbets monumentales Gemälde „Das Atelier“ ist ein Schlüsselbild des 19. Jahrhunderts. Werner Hofmanns glänzende, elegant geschriebene Studie enträtselt das viel gedeutete Bild, das schon ein Zeitgenosse Courbets „eines der ungewöhnlichsten Werke unserer Zeit“ nannte. Das Gemälde sprengte damals alle bekannten Bildgattungen. Es fasst die Entwicklung der Kunst in der ersten Jahrhunderthälfte zusammen und kündigt an, wohin sich die Kunst in der zweiten Jahrhunderthälfte bewegen sollte. Im Sinne des Realismus versammelt Courbet in einem Atelier die Gesellschaft seiner Zeit, mit ihren Gegensätzen zwischen den Klassen, zwischen dem Glanz der Bürgerwelt und dem Elend des Proletariats. Gleichzeitig aber enthält das Gemälde eine Verkündigung, die aus der düsteren Gegenwart in eine scheinbar konfliktfreie Welt hinausführt. Werner Hofmann zeigt, wie das Bild sowohl inhaltlich als auch durch seine formalen Innovationen die Brüche, die das 19. Jahrhundert kennzeichneten, in einer einzigartigen Verdichtung vor Augen führt.

"Aufklärung" und "Barbarei" sind die Erfahrungspole, zwischen die Goyas Analyse der Epoche gespannt ist. Die in dem vorliegenden Band versammelten Aufsätze suchen von unterschiedlichen Blickwinkeln her die Reflexe des Umbruchs in Goyas Werk zu beschreiben. Edith Helman hat in grundgelegenden Veröffentlichungen Goyas Beziehungen zur spanischen Aufklärung aufgedeckt und auch Hinweise gegeben auf die Einbrüche der Aufklärung um 1800, deren Spuren in Goyas Werk von den anderen Beiträgen des Bandes verfolgt werden, sei es anhand der Metamorphosen des traditionellen Formen- und Vorstellungsrepertoires in Goyas Werk (W. Hofmann), sei es in einer Deutung der Gesten der Figuren Goyas vor dem Hintergrund des Zusammenbruchs konventionalisierter Gebärden aus der Alten Gesellschaft (M. Warnke). Der Titel des Bandes umschreibt -- mit der Unterschrift von Goyas Capricho 19 -- die These, daß Goya in dem besonderen Zusammenhang der Alten Mächte das allgemeine Fallgesetz gesellschaftlicher Mächte und Normen erfahren und gestaltet hat.

Erstmalig in der Kunstgeschichte erkundet Werner Hofmanns weitsichtiges Buch das Phänomen des Phantastischen als Gegenwelt zur vermeintlichen Wirklichkeit. Die schöpferischen Möglichkeiten zwischen Erfahrung und Imagination bilden die Grundlagen der modernen Kunst. Das Phantastische stellt einen Gegenentwurf zur Norm und zum Bewußten dar, lebt jedoch von Abweichung, Tabubruch und Regelverstoß. In dieser Widersprüchlichkeit verschmelzen Unvereinbares, wobei die Wirklichkeit für das Verständnis unerlässlich ist. Hofmanns Untersuchung legt die Basis für eine Phänomenologie des Phantastischen in den Künsten. Er betrachtet die angeführten Werke nicht als Bestätigung einer vorgefertigten Definition, sondern analysiert sie, um die Erscheinungsweisen der Phantastik zu erschließen. Legendäre Figuren wie Leonardo da Vinci und Hieronymus Bosch haben ganze Welten geschaffen, während Künstler wie Arcimboldo, Piranesi und Goya mit ihren Imaginationen beim Publikum reüssieren. Das 20. Jahrhundert, geprägt von psychologischer Einsicht, eröffnet Künstlern geistige Räume neuer Dimensionen. Magritte, Max Ernst, Paul Klee und Dali sind nur einige der Leitfiguren in der visuellen Debatte um andere Realitäten. Prof. Dr. Werner Hofmann, Gründungsdirektor des Museums des 20. Jahrhunderts in Wien und ehemaliger Direktor der Hamburger Kunsthalle, ist ein einflussreicher Kunsthistoriker und Autor zahlreicher Werke zur Kunstgeschichte.

Blake nimmt einen ganz besonderen Platz im Pantheon der englischen Romantik ein: ebenso innovativ und brillant als Maler und Zeichner wie im Bereich der Poesie, schuf er Werke, die oft schwer zu kategorisieren sind und die, während sie auf eine klassische und biblische Vergangenheit verweisen, auch in die Zukunft blicken – mit Autoren wie T.S. Eliot, Aldous Huxley und den Beat-Poeten unter seinen vielen modernen Bewunderern. Dieser Band enthält eine wesentliche Auswahl von Blakes Gedichten, von den weniger bekannten Poetical Sketches bis zu seinen gefeierten Songs of Innocence and of Experience und den „prophetischen Werken“, die von der Französischen Revolution inspiriert sind. Er umfasst über zwei Jahrzehnte poetischer Aktivität und zeigt die Originalität und Unabhängigkeit des Geistes des Autors in ihrer sprühendsten Form.

Broschiert Rowohlt TB-V., Rnb. ordentliches Exemplar, Gebrauchsspuren vor allem am Einband, berieben

Frontmatter -- Inhaltsverzeichnis -- VORWORT -- EINLEITUNG: Der Widerspruch von Aufklärungsidee und sozialer Wirklichkeit als Ausgangstatsache -- 1. TEIL: Die sozialen Ideen in der Entwicklungsepoche des modernen Industriekapitalismus -- 2. TEIL: Der entfaltete Kapitalismus der freien Konkurrenz und der wissenschaftliche Sozialismus -- 3. TEIL: Die Ideen der Sozialbewegung in der Epoche des „organisierten Kapitalismus" -- LITERATURHINWEISE -- Personenregister -- Sachregister -- Backmatter

Nikolaus Pevsners Europäische Architektur gehört seit Jahrzehnten zu den Standardwerken der Architektur-Literatur und wurde in zahlreiche Sprachen übersetzt. Unübertroffen in seiner klaren und anschaulichen Darstellung der Grundstrukturen aller Architektur-Epochen, zählt das Werk an vielen Universitäten und Schulen zur Pflichtlektüre. Der Architekturhistoriker Winfried Nerdinger verleiht mit einem aktualisierten Beitrag zur Architektur von 1960 bis heute dem Band seine Gültigkeit bis in die Gegenwart.

In diesem Essay analysiert der Autor die nationalen Merkmale der englischen Kunst. Er zeigt, dass es notwendig ist, die Polaritäten einer Nation zu untersuchen, um ihre kulturelle Geographie zu verstehen, da nur durch das Betrachten der scheinbaren Widersprüche das Spezifisch-Englische in jedem charakteristischen Stil entdeckt werden kann. Der Autor betrachtet die Werke von vier Malern: Hogarth, Reynolds, Blake und Constable; den typisch englischen Architekturstil, den Perpendicular; und schließlich das Bildhafte, verkörpert durch den Landschaftsgarten. Die Geographie der Kunst ist keine Wissenschaft, und viele der in der englischen Kunst sichtbaren Qualitäten sind vergänglich und ambivalent. Dennoch kommt der Autor zu dem Schluss, dass mit dem Vorrang von Vernunft und Toleranz im englischen Charakter „der Fanatismus oder zumindest die Intensität verloren gegangen sind, die allein das Größte in der Kunst hervorbringen kann“.

Einerseits ein unerlässliches Werkzeug für jeden Planer und Architekten, andererseits eine ideale Informationsquelle für den interessierten Laien. 2.929 Artikel - Architektenmonographien, Stilbegriffe, Länderartikel, Fachausdrücke, Gebäude u.a. sowie 3.480 Abbildungen - Photographien, Grundrisse, Entwürfe u.a

Nikolaus Pevsners bekannte sich als unerschütterlicher Vertreter der modernen Formgebung in der Architektur. Im vorliegenden Aufsatz, der bereits um 1930 konzipiert und 1936 erstmals erschienen ist, zeichnet er die Geschichte von den sozialreformerischen Ideen des William Morris bis zum „Rationalisms" von Walter Gropius nach. Pevsner sah als erschütterter Zeitgenosse die Errungenschaften der modernen Bewegung durch die Nationalsozialisten in Deutschland gefährdet. Trotzdem spiegelt der vorliegende Aufsatz seinen festen Glauben an die Durchsetzung der Moderne bis in unsere Tage wieder, basierend auf der Überzeugung, dass die Formen an die Bedingungen ihrer Produktion gebunden bleiben. In der zweiten Hälfte der sechziger und den frühen siebziger Jahre, im Zuge eines sich insgesamt wandelnden geistigen und politischen Klimas in Deutschland forcierte der DuMont Verlag durch Herausgabe einiger ihrer wichtigsten Werke die publizistische Repatriierung und Rehabilitierung der 1933 zur Emigration gezwungenen Kunstwissenschaftler. Eine vernunftgeleitete, den Axiomen eines konsequenten Aufklärungsdenkens verpflichtete Schule, die im angelsächsischen Raum bereits wichtige Impulse gegeben hatte, kam nun auch in Deutschland wieder zu ihrem Recht.

Nach der Vorlesung von W. Doerr

Frontmatter -- Inhaltsverzeichnis -- Vorwort -- Einleitung: Der Widerspruch Von Aufklärungsidee Und Sozialer Wirklichkeit Als Ausgangstatsache -- 1. Teil: Die sozialen Ideen in der Entwicklungsepoche des modernen Industriekapitalismus -- 2. Teil: Der entfaltete Kapitalismus der freien Konkurrenz und der wissenschaftliche Sozialismus -- 3. Teil: Die Ideen der Sozialbewegung in der Epoche des „organisierten Kapitalismus" -- Literaturhinweise -- Wichtigere Schriften in chronologischer Reihenfolge -- Personenregister -- Sachregister -- Backmatter

Der Kunsthistoriker Werner Hofmann versteht es, auf knappstem Raum die Entwicklungslinien der Malerei von den Wegbereitern der Moderne im 19. Jahrhundert bis hin zu den wichtigsten Strömungen bis Mitte des 20. Jahrhunderts nachzuzeichnen und zu interpretieren. Durch Analysen der Stilrichtungen und durch monographische Darstellungen der Hauptvertreter wird die Frage nach den neuen Erlebnisinhalten, die von der Malerei bewußt gemacht wurden, umfassend interpretiert.

Die Schlange hat keinen guten Ruf. Ihre Klugheit ist mit List gepaart, ihre Gewandtheit mit Heimtücke. So wurde sie in der Kulturgeschichte mal zur Bedrohung, mal zur Beschützerin. In der Kunst tauchte die Schlangenlinie bereits in den Höhlenmalereien der Steinzeit auf und blieb seitdem ein Motiv voller Ambivalenzen, das sich nie zur Ruhe bringen ließ. In seinem letzten Buch verfolgt der große Hamburger Kunsthistoriker Werner Hofmann die Schönheitslinie der Schlange durch die Epochen und legt ihre elementaren, rätselhaften Energien frei. Hofmann zeigt, wie die Schlangenlinie anfänglich der magischen Beschwörung diente und danach von der griechischen Antike bis in die Frühe Neuzeit die Künstler immer wieder anzog. In der Moderne der letzten 250 Jahre aber stieg sie zu einer visuellen Schlüsselfigur auf, zu einer Metapher der Befreiung: Als der alte statische Schönheitsbegriff abdankte, war die große Zeit der Schlangenlinie mit ihrer verwirrenden Dynamik gekommen. Werner Hofmann führt dies an einer eindrucksvollen Fülle von Beispielen vor Augen, die von der abstrakten Kunst über das Kunsthandwerk bis in die populäre Kultur reichen ? von Kandinsky und Klee über den Thonet-Stuhl bis zum heute allgegenwärtigen Yin-Yang-Symbol.

Joannis Avramidis ist ein Protagonist der modernen Plastik, dessen geometrisch strenge Figuren den Menschen als Maß abstrakter Figuration zeigen. Werner Hofmanns Buch erschließt die zeitlosen Gestaltungsprinzipien eines Werks, das aus den Energien des Körperhaften entwickelt wurde. Avramidis, 1922 in Georgien geboren, nutzt geometrische Konstruktionen, um das Immergültige als gesetzmäßige Konstanten im Individuellen darzustellen. Die entstehenden Gebilde folgen keiner Norm, sondern integrieren die Vielfalt der Besonderheiten in Körperformen mit fein nuancierender Struktur. Im Verhältnis der Teile zum Ganzen und der Leitform zu ihren Filiationen entstehen klare, konzentrierte Figuren von souveräner Monumentalität. Der Rhythmus der Strenge ist ein unverwechselbares Kennzeichen, das Avramidis eigen ist und in dem sich Körperlichkeit, Statik, Sinnlichkeit und Distanz vereinen. Hofmann exemplifiziert die Kriterien des Sehens, die diese Werke verlangen, und bindet sie in die Genese ihrer Struktur ein. Die Annäherung über die Zeichnung ist eine wesentliche Voraussetzung für das Verständnis der Skulptur. Das reich und sensibel illustrierte Buch gewährt Zugang zu Werken, deren klassisch beruhigte Kraft in Museen und öffentlichen Plätzen der Moderne verankert ist.

1974, zum 200jährigen Gedenken an das Geburtsjahr von Caspar David Friedrich, schafft Janssen eine Folge von siebzehn, zum Teil grossformatigen Radierungen, die er in der Mappe 'Caspar David Friedrich' zusammenfasst. Es sind vor allem Landschaften und Porträts, die er als Reminiszenz an das grosse Vorbild, aber auch an andere Künstler der Romantik, realisiert: Schroffe Felsengebirge, Figuren in der Landschaft, nahsichtige Darstellungen von Bäumen und romantische Frauenbildnisse. Besonders zu erwähnen sind auch ein Porträt Caspar David Friedrichs und ein Selbstporträt Horst Janssens. Auf letzterem brilliert Janssen mit einem dreistrophigen Gedicht über Friedrich und Philipp Otto Runge, das zunächst heiter und vordergründig daherkommt, aber gleichzeitig tiefer schürfende Überlegungen formuliert, die von seiner Auseinandersetzung mit der Romantik zeugen. Dieser Radierzyklus steht im Mittelpunkt der Ausstellung 'Janssen und die Romantiker'. Exhibition: Horst Janssen Museum (27.3-26.6.2011).

Streifzüge durch 400 Jahre Karikaturgeschichte Ein lehrreicher wie unterhaltsamer Spaziergang durch die Spiegelkabinette der Karikaturgeschichte Werner Hofmann, Kunsthistoriker von internationalem Ruf, stellt allgemeine Themenbereiche der Karikatur und wesentliche Aspekte der Bildsatire vor. Er geht den Voraussetzungen, Anfängen und physiognomischen Wurzeln der Karikatur nach, zeigt die Unterwanderung der Kunst durch die Karikatur auf, stellt unterschiedliche Typen von Bildern vor und erörtert die grundsätzlichen Fragen: Was ist der Mensch? Was ist die Kunst? Er führt uns in eine Welt der Illusion, der Verzerrung, der Täuschung, der Mehrdeutigkeit, der Rätsel. Und er zeigt uns dabei, welche allgemeinen Themen die Karikatur als Unterhaltungsmedium beschäftigt und worin Bildsatire wesentlich besteht. Das Buch enthält zahlreiche Abbildungen mit herausragenden Karikaturen und Objekten, u. a. aus der renommierten Sammlung Werner Nekes, die Sie staunenlassen werden. Sie öffnen Bereiche, wo Überraschungen und Ungewissheiten auf Sie warten, sie öffnen Ihnen die Augen – Sie müssen ihnen ja nicht gleich trauen.

Gustav Klimts Malerei erfreut sich einer ungeminderten Beliebtheit, die sich freilich völlig ahistorisch mit der dekorativen Postertauglichkeit seiner goldglänzenden Jugendstilbilder begnügt. Demgegenüber stellt der Kunsthistoriker Werner Hofmann Klimts Werk nicht nur in den Kontext der zeitgenössischen österreichischen Kunst, sondern begreift es als historisches Zeugnis der untergehenden Monarchie. Der Jugendstil war, so Hofmanns These, der letzte – scheiternde – Versuch, den Bruch zwischen Kunst- und Gesellschaftsformen mithilfe einer elitären Kunstdoktrin zu heilen. Hofmanns klassisches Buch, das hier in einer Neuauflage erscheint, ist nicht nur eine der wichtigsten Studien zu Gustav Klimt, sondern liefert auch ein lebendiges Panorama der Wiener Jahrhundertwende (Adolf Loos, Karl Kraus, Hugo von Hofmannsthal, Alois Riegl usw.). Die Neuauflage, für die Hofmann eine rückblickende Nachbemerkung geschrieben hat, erscheint anlässlich des 100. Jubiläums der Wiener Kunstschau, an die auch die Ausstellung 'Gustav Klimt und die Kunstschau 1908' im Belvedere (Wien, 1. Oktober 2008 bis 18. Januar 2009) erinnert.

Werner Hofmann ermittelt im exzentrischen, anomalen, grotesken Charakter der Karikatur einen der grundlegenden Motoren der Entwicklung der Kunstgeschichte. Für ihn ist die Karikatur eine Gegen-Kunst. Als Gegenbewegung der schöpferischen Phantasie gegen das Ideal-Schöne schafft sie 'perfetta deformità' die vollendete Missgestalt und 'beansprucht für sich die Freiheit, die Welt nach dem Hässlichen umzubilden'. Als Werner Hofmann 1957 erstmals die Karikatur als Thema der Kunstgeschichte aufgriff, schuf er ein so fundiertes wie aktuelles und bis heute gültiges Werk; erst kürzlich wurde von ihm eine spanische und italienische Ausgabe veröffentlicht, der auch die hier vorgelegte Ausgabe folgt. 'Die Karikatur'enthält 83 kommentierte Tafeln mit Karikaturen von Leonardo da Vinci, Pieter Bruegel, Giuseppe Arcimboldo, Agostino Carracci, William Hogarth, Eugène Delacroix, Grandville, Goya, Honoré Daumier, Victor Hugo, Toulouse-Lautrec, Wilhelm Busch, Ernst Barlach, George Grosz, Paul Klee, Pablo Picasso und vielen anderen.

Dieses Buch versammelt 16 zentrale Essays von Werner Hofmann, die das Leitthema „Die gespaltene Moderne“ behandeln. Hofmann weist auf die Brüche und Ambivalenzen in entscheidenden Werken der Moderne hin und verknüpft sie mit dem jeweiligen geistesgeschichtlichen Kontext. Sein unvoreingenommener Blick eröffnet neue Perspektiven auf die Kunst. Die Moderne wird nicht als lineares Projekt verstanden, sondern als ein Geschehen voller Ambivalenzen und Selbstwidersprüche. Führende Köpfe der Malerei des 20. Jahrhunderts, wie Picasso und Duchamp, dringen immer wieder in Niemandsländer vor. Vor Kandinskys Entdeckung der neuen Harmonie thematisierten bereits Burckhardt, Nietzsche und Warburg die Auflösung des traditionellen Kunstbegriffs und die Rückkehr zu den magischen Ursprüngen der Kunst. Diese Dynamik prägt die Vielseitigkeit der modernen Kunst, die verschiedene Deutungen hervorbringt. Hofmann bezieht sich auf die Thesen dreier bedeutender Kunsthistoriker: Julius von Schlosser, Hans Sedlmayr und Ernst Gombrich, die an einem erweiterten, fragenden Kunstbegriff arbeiteten. Der große Aufsatz über „Das gespaltene Pathos der Moderne“ legt diese Öffnung dar und bietet einen Ausblick auf die „ungewissen Künste“. Es wird kein Ende angekündigt, sondern ein Nebeneinander von Heilserwartungen und Kunsterwartungen, Ausstellungskünsten und Zivilisationsutopien, Ironie und Magie.

German Used - Very Good Sozialökonomische Studientexte 1. Wert- und Preislehre. [paperback] Hofmann, Werner [Jan 01, 1979] … 3428015118

German

[herausgeber, Werner Hofmann ; Katalogredaktion, Günter Hartmann, Peter-klaus Schuster]. Catalog Of An Exhibition Held At The Hamburger Kunsthalle, April 10-may 31,1981. Bibliography: P. 262-263.

German

Rubber technology has made tremendous progress during the last decades from a more or less empirical alchemy towards a well-understood science and technology. It results in products with better performance, tailor-made properties, easier processing and has opened new fields of application. This state-of-the-art book on modern rubber technology offers an introduction for beginners as well as a reference source for practitioners. Compact, well structured, a unique source of information, this is the handbook for the rubber industry. Contents include Introduction, Natural Rubber, Synthetic Rubber, Rubber Chemicals and Additives, Rubber Processing, Analysis and Testing of Rubber.

The book serves as a thorough exploration of County Durham, highlighting its rich architectural diversity and captivating history. It delves into the unique aspects of the region, showcasing its landmarks, cultural significance, and notable sites. Readers can expect detailed insights into the county's heritage, making it an essential resource for anyone interested in Northern England's architectural landscape.