Thomas Elsaesser war ein deutscher Filmhistoriker und Professor für Film- und Fernsehwissenschaften an der Universität von Amsterdam. Seine Arbeit konzentrierte sich auf das Verständnis des Nachkriegs- und zeitgenössischen Kinos. Elsaesser erforschte hauptsächlich die komplexe Beziehung zwischen Film und Kultur und untersuchte, wie das Kino breitere gesellschaftliche und historische Kontexte widerspiegelt. Er befasste sich auch mit dem Einfluss der Moderne auf die Kunst des Filmschaffens.
This book focuses on nonlinear terahertz spectroscopy of condensed matter and introduces basic concepts, technologies, and methods for an interdisciplinary research audience. Recent applications in basic science illustrate the potential and relevance of the field.
Film Curatorship is an experiment: a collective text, a montage of dialogues, conversations, and exchanges among four professionals representing three generations of film archivists and curators. It calls for an open philosophical and ethical debate on fundamental questions the profession must come to terms with in the twenty-first century.
Exploring the intersection of contemporary cinema and Enlightenment values, this volume examines how film engages with political and philosophical discourse in the context of globalization and multiculturalism. It delves into ethical and political boundaries, addressing the implications of post-secular and post-Enlightenment thought. Through its analysis, the book seeks to understand cinema's role in shaping ideas about democracy and the future of European values amidst evolving societal challenges.
Our concern with the space of experience in cinema is symptomatic of the changes cinema has undergone in the past thirty years. In film studies it points to a bifurcation of interest: For much of the 1950s and 60s, the focus has been on the makers – the directors as auteurs and artists; but since the 1970s more emphasis has been laid on audiences, reception and the physical spaces of cinema experience. But even within this shift to audiences, there are differences of emphasis: between “film” and “cinema”, between “ocular vision” and “embodied vision”, between “sight” in the cinema and its “sound-scape and sound spaces”, between the “visible” and the “invisible”, or as I would summarize this in-between-ness of cinema: between film as “text and narrative” and cinema as “event and experience”.
HORYZONTY KINA. Tom 9 O wyjątkowości książki Thomasa Elsaessera i Malte Hegenera, czołowych, współczesnych teoretyków filmu, decyduje dokonanie kluczowych podziałów omawianej dziedziny już w punkcie wyjścia. Patrzą oni bowiem na teorię filmu od samego początku jako na zjawisko historyczne i uwarunkowane instytucjonalnie. Autorzy zwracają uwagę na fakt, że teoria filmu często powstawała wśród środowisk propagujących określone „estetyczne przekonania”, ideologiczne cele kina, faworyzowała pewne rozwiązania, lobbując niejako za pewnymi możliwościami i w ten sposób zakreślając horyzont myślenia o filmie. Teoria filmu nigdy nie była bowiem „niewinna” i czysto naukowa, a tworzący ją filozofowie, psychologowie, akademicy zawsze sprzyjali pewnym formom robienia filmów. Przykładem tego typu zjawiska była np. grupa skupiona wokół słynnych Cahier du cinema lub rosyjscy formaliści. Pierwsi w jawny sposób faworyzowali kino nowofalowe i charakterystyczne dla niego zaangażowanie społeczne, niecodzienne rozwiązania formalne, efekty obcości itp. W przypadku rosyjskich formalistów związek teoretyka z praktykiem (i jednocześnie pewną postawą ideową) jest jeszcze silniejszy. Ustalenie zależności teorii filmu od określonych ideologii i nurtów w kinie jest pierwszym punktem wyjścia autorów książki.
¿Cuál es la relación entre el cine y el espectador? Esta es la pregunta clave de la teoría del cine y también en la que se centran Thomas Elsaesser y Malte Hagener en su profundo y cautivador libro. Todos los tipos de cine (y todas las teorías del cine) empiezan imaginando a un espectador ideal y, a partir de ahí, plantean determinadas interacciones dinámicas entre la pantalla y la mente, el cuerpo y los sentidos del espectador. Utilizando siete configuraciones de la interacción entre espectador y pantalla, que se mueven progresivamente de las relaciones “externas” a las “internas”, los autores pasan revista a los hitos más importantes de la teoría del cine desde sus inicios y hasta la actualidad. Abarcan desde las teorías neorrealistas y modernas hasta las psicoanalíticas, las del “aparato”, las fenomenológicas y las cognitivistas y llegan a las más recientes, que tienen muy en cuenta aportaciones de la filosofía y la neurología.
This publication attempts to map a visual approach to one of the world’s foremost documentary and essay filmmakers, Harun Farocki. Unlike the many other, more theoretical publications about his work, this book operates with still images beyond an illustrative or documentary purpose. By means of repetition, interruption and displacement, the configurations pursue specific movements within each film, taking into account mechanisms of order and open-endedness that are characteristic for Farocki’s work in general. „Diagrams“ traces the dynamics of ten of Farocki's films and presents them along with each film's complete commentaries, dialogues and intertitles, celebrating their major critical gesture: the exposition of mediality.
The exploration of the Holocaust's impact on postwar German cinema reveals a complex interplay of trauma and cultural memory. Thomas Elsaesser examines how Germany's efforts to confront its past represent both failures and successes, contributing to a broader European context of 'guilt management.' Through case studies of notable filmmakers like Fassbinder and Farocki, he illustrates the varied representations of the Holocaust in German films from the 1950s to the present, highlighting its pervasive influence even when not explicitly depicted.
"The Persistence of Hollywood" compiles Thomas Elsaesser's influential writings on Hollywood, exploring its evolution over nearly a century. The book covers key directors, shifts from classic to corporate Hollywood, and various critical-theoretical frameworks, including auteurism, genre, and ideology, reshaping film studies along the way.
Das amerikanische Kino als globale Unterhaltungsindustrie hat sich seit den 70er Jahren immer wieder erneuert. Motor und Symbol der wiedererstarkten Macht Hollywoods ist der „Blockbuster“, ein umfassend vermarktetes, multifunktionales Spektakel. Doch Filme wie CHINATOWN, PULP FICTION oder MEMENTO und viele andere stehen auch für Erfindungsreichtum und Experimentiergeist und bezeugen die kreative Glaubwürdigkeit ihrer Regisseure. Aber wissen wir eigentlich, was diese Filme bedeuten? Vielleicht kann uns das Hollywood-Kino Dinge über unsere zeitgenössische Welt mitteilen, die die anderen Künste aus dem Blick verloren haben. Dieses Buch bietet einen neuen Zugang zum populären amerikanischen Film der letzen 25 Jahre. Eine genaue Lektüre der Erzählformen, der stilistischen Muster und filmischen Referenzen, der Handlungen und Motive der Protagonisten liefert überraschende Ergebnisse.